《罗丹艺术论》读后感2000字范文大全 《罗丹艺术论》阅读心得感悟汇总

读后感是读者在阅读一本书、一篇文章或者观看一部电影、一场演出等之后，对所读所看内容的个人感受、思考和评价的总结和表达。它是读者对作品的理解和思考的产物，是读者与作品之间的对话。通过写读后感，读者可以提升自己对文学作品的欣赏能力和鉴赏水平，培养对优秀作品的敏感性和理解力。以下是《罗丹艺术论》读后感2000字范文大全，和《罗丹艺术论》阅读心得感悟汇总的具体模板，可供大家参考借鉴。

《罗丹艺术论》读后感1

罗丹是艺术家里的贵族，当梵高饥寒交迫，流落乡间时，他在画室指挥裸体健硕的模特摆出给种造型。他认识到了人的自然之美，为被人的社会悲剧所束缚，他思想种那种肆意而得意，确有智慧，但他更是幸运的。从学艺术到学做人，从每一个肌肉到每一个整体。罗丹不愧为大家。

搞艺术的尤其雕塑领域的人都应该读读这个，他带我们走进了大师的世界，更重要的是，大师教会了我们如何审美。要想让我把你的身体看得清楚，你就应该待在昏暗的角落里。

《罗丹艺术论》是一本美学的书，我更愿意将它看成关于哲学的书。这是艺术的哲学，是罗丹的世界观，也是指导心灵的思想。罗丹讲述他艺术，我们可以学会的不仅是对西方艺术的鉴赏，更是发现世界真善美的慧眼。读《罗丹艺术论》，会让人有一种无法言表的惊喜，这里发现的是一个艺术家对艺术高尚精神的追求，也会引导我们发现生命的精神源泉。

《罗丹艺术论》读后感2

罗丹说：大师是用来欣赏而不是用来膜拜的。

　　他认为：自然即是美，美即是有特性。可是，自然的一定是有特性的么？或者，有特性的一定是自然的么？

　　北京的鸟巢有特性，但不是自然的，是人造的。它美么？

　　美国的白宫有特性，但不是自然的，是人造的。它美么？

　　所有的人造建筑，不管有特性或是没有特性，都是丑陋的么？

　　更广的，所有人造的事物，车、飞机、椅子……都是丑陋的么？

　　工业时代，就是丑陋的时代么？

　　人造的服装，都是丑陋的么？

　　只有亚当的树叶内裤才是美的么？

　　没有不自然但是美的事物么？

　　存在人造的美的事物么？

　　艺术家只能表现自然而不能创造么？

　　自然美是美的一种吧？人造美也是一种美吧？

　　从一件雕塑上真能“准确”读出人的性格、出身、职业、时代背景和经历么？

　　这是先入为主的信息导向，还是纯粹无背景知识的领悟呢？

　　如果一件雕塑能通过表情、动作以及细节“准确”说明丰富的内容，那语言和文字是否太多余呢？

　　一千个人心中有一千个林黛玉或哈姆雷特，文字尚不能企及准确，尚不能塑造确凿的特性，雕塑是如何成功做到的呢？

　　美就是真，真就是存在，有一天，机器人也会多愁善感的！

《罗丹艺术论》读后感3

这本书是学画画的时候，画画老师推荐的，之前去图书馆找到了很旧的一本，说着后面会借回来看，结果各种原因没借。刚好昨天在书架上偶遇它，于是毫不犹豫的看了起来。

　　罗丹是雕刻大师，他不写书，这本书大概是他的好友葛塞尔有意去采访或是参观他作品时，专门记录他关于艺术的一些看法和思想。而我对雕刻艺术其实并不是很感兴趣，大概因为不了解所以才没有太大兴趣。

　　这本书一共有十一章节，也就是说罗丹关于艺术谈了十一个观点，这些观点有关于自然、模塑、素描和色彩、艺术的思想、古代精神与现代精神等。

　　对于我一个喜欢画画的人来说，罗丹关于艺术的学说真的对我是十分有益的，真的学到非常多的知识。比如，他说的自然。他说自己雕刻都是遵从自然，他不会叫模特刻意的去摆pose以满足他的想法，而是让模特顺其自然的摆，然后他去捕捉那些自然的动作，对他来说顺从自然的作品才是美。

　　还有关于模塑，他开始自己也没有意识到，是一个朋友提醒他，说你要把一个面看成是一个体积的边线，你要想办法去表现这个体积，用一些凹凸去表现，这样就可以看到潜伏在肌体里的那些搏动的经脉。说的真好，对于画画的我来说，同样也是有用。

　　比如说我们要表现一个物体，你要让它更有立体感的话，就不要把线条看成线条，你要把线条看成是一个面，把一个面看成是有体积感的东西，这样你表现出来的物体才会有质感，才是立体的。Bingo！太对了。

　　还有关于一些画家的作品，昨天看这本书的时候，至少让我记得两个非常著名的画家，一个是拉斐尔，另一个是伦勃朗，以及他们作品的特色。拉斐尔的风格是线条柔美，用色也很柔和，是那种宫廷画的标准，这也表现了画家个人对美好生活向往的心境。而伦勃朗的作品，线条的运用是有着强烈的冲突，颜色也是十分黯淡，表现了作者对现实底层生活的关注。

　　其实，第一章节里罗丹所说的自然，我认为跟前面读的丰子恺所说的“童心”是大同小异的。艺术家是要尊崇自然，从自然的角度与描述事物，才能更好和更真实的体现出事物的美。不记得是这两本书哪本书提到的一句是：艺术家，是比别人更加热爱生活里的一切，要天真，要纯粹！我觉得说的是非常有道理的。

　　我想到了身边的一些人，如我的室友。她是没有艺术心的人，你让她去玩陶泥，她一脸嫌弃的看着那泥土，怕那些泥会把她的衣服弄脏；然后你看见了一只非常可爱猫，你说你好想养一只猫，但她却说她对猫敏感，觉得那猫身上的毛有点脏。

　　对于这样的人，我真的很难发现她是热爱生活的。她对金钱比热爱生活更感兴趣，她对那种买一送一的活动更感兴趣，她对理性比感性更感兴趣。所以，我说她不是一个纯粹的人，而是一个伪善的人，她会买一些艺术类的东西，但那并不表示她喜欢艺术，而是为了让这些艺术品表现她比较有艺术气息或者比较有钱一样。

　　好书是要多读几遍的，多读不同的书，来提高自己的思想和气质内涵。

《罗丹艺术论》读后感4

　2007年2月，一个人端着DV和照相机，去到上海城市雕塑馆，看到罗丹作品的展出。天冷，人很少，灰暗的大厅里雕塑比人都多……入门处那著名的断手巴尔扎克，后面挺着肚子的巴尔扎克……不断的找卡蜜尔的模样……以及大厅尽头，《地狱之门》……

　　91年前的冬天那个老头留着雪白的胡子在法国闭上了眼睛，那些在他指挥下往来行走的模特也在稍迟后的岁月或早或晚的故去。然而那些经罗丹手指触碰、给予过生命的青铜和石膏却还在展览馆里、在电视屏幕上、在世界上任何一个角落的招贴画里活着。

　　从展厅中央那著名的“思想者”身旁沿阶而下，你可以看到许多镜框中的草图。那是罗丹的草稿。有些用炭笔，有些用铅笔。有些已经像是成型的素描像了，有些则完全无法辨认。这种凌乱无章仿佛就是为了彰显它们草稿身份一样。它们像低人一等的奴仆。它们记载着的形象成为雕塑，堂而皇之的挂着“请勿触碰”的标志，供人们围观，为它们的主人博取旷世的声名。而它们自己，像富家少爷的通房大丫头一样，一经婚嫁便红颜薄命起来。

　　然而，这些草稿有它们极迷人的地方。作为成品的雕塑，就像一个衣冠鲜明的大神，天衣无缝，你无法了解它的变化。你感受到了美、庄严、才华、创新，但是你无法知道这一切是如何衍生的。就像你看到了蝴蝶，却无法看到它破茧蜕变。伟大的雕塑作品在展厅里陈列，每一个都在陈告着它们主人的天才，那些最为智慧的神性光芒。可是，人和神之间是有过程的。雕塑不会展现这一切。因为它是完美的成品。

　　然而，你能在草稿中寻求答案。

　　这本书里说到，罗丹是在1875年到达意大利，看到米开朗奇罗的雕塑，才感豁然开朗的。按照他对他永远的情人罗斯——直到罗斯死前两周他们才结婚——的说法，“米开朗奇罗这个魔术师向我展示了许多东西”，他开始学习绘画，学习一些最为精巧的技法。在我们现在能够看到的草稿中，许多不朽的作品——《吻》、《地狱之门》、《巴尔扎克》——在笔端展现轮廓。那些试探性的勾勒，被涂抹黑又重新勾连的部分，扭曲变形的线条，你可以想象得出罗丹在描绘和想象我们如今所见之不朽形象时的过程。有些形象似乎构思顺利，所以一笔带过简约流畅。有些则大费思量，反复斟酌着一段腰肢的肥瘦，一举手一投足的张驰。当你回头看到这些痛苦草稿最后的成品时，你自然而然可以大致追溯一条路线——在罗丹的意识里，从无，到有，一缕光线，最后缓慢酝酿成功，经诸他的刻刀完成的作品。

　　对杰出的艺术家而言，伟大的作品偶尔只需一瞬的灵感，但更多的时候需要反复的推演、计算和考量。罗丹描画过17个挺胸凸肚的巴尔扎克，直到卡密尔·克洛岱尔建议他“给他披件衣服试试”，才推出了旷世杰作《巴尔扎克》。然而和他的《加莱义民》一样，非议和抨击远多于赞美。彼时的他也许能想到他创制的这个人物，在罗丹10岁时就故世了的大师巴尔扎克，在其写作生涯中以一天只睡四小时著名。在巴尔扎克的世界里，除了和他的贵妇人们交谈、阅读及充实自己、点酒精灯煮咖啡之外，一半的时间用来写作，一半的时间用来修改，他那些删减流离的小说草稿，在他死后名扬欧洲。比他更晚的福楼拜，在外省的乡间独自写作，然后在夜晚跑到荒野，大声的念诵自己刚写的小说，然后急步回家，手揪着头发，思考着如何做改动。

　　我并不是要赞美他们的勤奋。

　　这儿有一个隐约的过程，王勃、曹植这样出口成章的才子不会经历，但在那些才智并不如他们的艺术家那里，这是一条最为欢欣也最为艰苦的路。罗丹已经证明了他的天才，他看到的一切都可以被重新灌注生命。但观看他雕塑的人们，不会回到百年前他的工作室，看着那个忧郁的长须老头，一遍又一遍的命令模特们在他面前走动。在他晚年，他独自雕就了大量的手、脚和肢体，然后把它们拼凑成型。当拼成一个有趣的造型时，他就像造好了积木的孩子一样微笑。他的巴尔扎克，他的但丁，他的情人和模特们，以及他的朋友。他手指触碰和头脑思及的人们，都成为了雕塑，并且成为了流传的不朽。而在那个愁眉苦脸独自做着积木划着草稿寻找灵感的凡人罗丹和壮美的雕塑背后那潇洒的大师签名罗丹之间，有着一条光芒四射的道路。智慧、痛苦、意志、创造、自卑、信心，人到神的一切，凡庸与艺术的差别，都在这个过程之中。

　　而这个为不朽创制草稿的过程是如何的呢？库切在《彼得堡的大师》末尾写道：

　　现在，他开始尝试那种滋味了。那种滋味如同苦胆。

《罗丹艺术论》读后感5

在艺人眼中，自然中的一切都是美的。

　　首先举了《丑之美》的例子，取材于诗歌《美丽的老宫女》。这个雕塑展现了一个年老色衰的女人。而罗丹要在这粗犷二黯淡的幕后，表达青春不在，眼看着这副枯骨一点点衰败下去，这样的对比，才是最残忍，最深切的悲痛。

　　但是一般人可能没办法直视这种一眼看去就很残忍的画面，觉得丑得可怕。所以选择掩目而过。

　　罗丹之所以这样表现，是他认为自然中公认的丑的事物在艺术中可以成为至美，伟大的艺术家可以化丑为美。

　　文章又举了波特莱尔的诗来解释艺术如何化丑为美，诗中描写了一具长满了虫子的尸体，很可怕的样子，但诗人设想这是他心爱的情妇，这样一来，死亡的丑陋面貌和美好的爱情进行对比，这个作品显得更加哀艳悲壮了。

　　艺术所认为美的，只是有特性的事物。特性就是真实性，美的或者丑的，就是所谓的两重性。外表的真，传达内心的真。同时，自然中被公认为丑的事物，较之认为美的事物，显露出更多的特性。比如一个病态的、紧张的脸，罪人局促的情态，比起一个正常的样子更有特性，因为他很真实。这里我觉得也可以理解为复杂性，或故事性，简单的例子比如，通常我们看好的电影或小说，反派的故事可能更有张力，因为更多面，更复杂。我们有时候也会说这个人看起来很有故事的样子，可能这也是一种特性。

　　但是呢，艺术虽然可以化丑为美，但艺术中并不是就没有丑了，罗丹认为丑的，就是内外都不真的东西。也就是故意造假、装点自然、隐藏真实的做法，就会创造出丑的东西。

　　不只是人，动物、植物，都可以从它们外表的真，看到内在的真。

　　最后，讲到真善美的关联，他觉得并不是一切都是善，但一切都是美的，因为他始终在迎着真前进。所以纵使有苦闷，他还会感到幸福，因为他追逐真理。

　　罗丹从创作者的角度在讲他的理念，但是另一方面，我们作为一个欣赏者，我们怎么从残酷的丑的表相中去看到内在的、真实的情感，从而去体会它的美呢？好像在文学中我们会说，作者都想要一个理想读者。我们看波特莱尔的诗，是不是比较能理解，因为文字就写的很明白说“我美丽的夫人，给虫qu蛆sha唼食了的红唇”。可以看出这个死亡的腐败和爱情的对比。但是我们在看《丑之美》这件雕塑作品的时候，如果我不知道《美丽的老宫女》这首诗的话，我可能单从一个衰老的裸体雕塑中，看不到她正在怀念她年轻的美丽，那这个对比所产生的艺术美感就无法传达给我们。比如我看罗丹的《地狱之门》，如果不是内行，不懂但丁的《神曲地狱篇》，或者不看解析的话，那欣赏起来就很困难。

《罗丹艺术论》读后感6

罗丹喜欢画年轻少妇的裸体，用铅笔勾勒她们的姿势。画完，他会分析、回味这个肩膀的曲线如何，脖颈的凹凸如何。作者就问罗丹，美丽的模特容易找吗？罗丹说容易。又问，今日世上的美不稀少吗？罗丹说不稀少那美能保存长久吗？罗丹认为它变迁极速。和阴晴不定的天气近似。

　　罗丹眼中的青春，是成熟的处女时代，洋溢着清新的生命力。带着骄傲、矜持，又有点畏缩，似乎求爱的羞怯心理。这个时期只有几个月。

　　等到少女成为妇人，就是另一种美了，有爱娇但是没有那么纯洁了。

　　罗丹还认为古代的美并没有超过今日的美，只是今日的艺术家没有发现美的眼睛罢了。各种地方都有完美女性。有的比较接近古代的美，像意大利女子是肩膀和骨盆一样宽阔。北方型的女性则是骨盆发达但是肩胛比较窄。总而言之，一切人体，一切人种，都有他们的美，只要去发现就行了。又举例柬埔寨的舞女四肢细长，日本女伶肌肉结实粗壮。这些都是自然的，也都是美的。

　　所谓美，就是性格和表情。而在自然中没有比人体更多性格的事物，尤其是人的心灵，造就了它的至美。

　　罗丹对于女性美的看法，可能受时代影响，在他眼中的女性美仍然是传统男性审美下的。

　　虽然他强调人的性格和表情所展现的自然之美，不过我们可以延伸出去看。罗丹曾经有一个17岁的情人，也是他的学生。卡密尔·克劳戴尔，她就是很符合罗丹所谓的青春、成熟的处女时代，罗丹和她在一起之后创作了著名的《吻》《永恒的偶像》。

　　可是同时，卡密尔在雕塑上也有独有的天才能力，但是呢，却不为别人所重视，别人说是制造见面机会的好方法，她只是双手沾满塑泥的高等妓女。那个时候世俗是看不起女雕塑家的。

　　让我想到在传统的电影中，女性形象也是为了取悦男性审美而存在的，女性自然而然得成为被观赏的对象。

　　虽然，罗丹已经很前卫了，毕竟他是经历了古典主义和现代主义交接的一个时期。他肯定多种女性形态上的美丽。这一点是值得我们反思的。因为我们现在的审美相比起来，真的就很单一了，比如说极端的以瘦为美，网红脸等等，看起来审美并没有像罗丹说的那么多元，而是往一个狭窄的方向走了。

《罗丹艺术论》读后感7

　从艺人拥有信仰的角度上来看，艺术可以说是一个宗教。艺术的宗教，是世间神秘的一种情操。是维持宇宙间自然的律令，和对不可知力的崇拜。是超乎我们感觉的，对大千世界的猜测。也是我们对智与爱的想往。可以鼓动我们的思想。

　　罗丹认为，色彩和线条是形式，是隐藏的现实的象征，这是外表的真。艺术家更要彰显精神的内涵，也就是内在的真。艺术家的心灵会和万物对话，这是一种虔诚的表现。而神秘，是至美的艺术品所浸浴其间的一种氛围。如同雨果的诗——我们只见到事物的一面。另一面沉浸于可怖的神秘的黑暗中。

　　罗丹认为所有名作都应该有神秘感。体现在他自己作品上则是囚禁于肉体中的灵魂的莫名的烦躁。罗丹雕塑的那些躯体是沉重的、痛苦的，但是心魂却是想往自由的无边的境界。这个境界就是最深的神秘。

　　在文学上，海明威提出的冰山原则，认为作者只应该描写冰山露出水面的部分，水下的部分通过文本让读者去想象。海明威就主张要去掉多余的形容词，更多的留白，也留下更多的神秘感。各种艺术的表白方式不同，但是创造出的氛围，一种神秘感，可能是异曲同工之妙的。

《罗丹艺术论》读后感8

尊敬传统而要会辨别它的永垂不朽的宝藏：对自然的挚爱与人格的忠诚。 内在的“真”？ 艺 术是需要果断的。能把线条推向远处的时光，你才沉浸入空间，抓到了“深”的感觉。 生命 之泉，是由中小飞涌的；生命之花，是自内而外开放的，潜伏着强烈的内心的颤动，这是古 艺术的秘密。伟大的画家深入空间，他们的“力”，就蕴蓄在深厚之中。艺术只是情操，但没 有体积，比例，颜色的知识，没有灵感的手腕，最活跃的感情也要僵死。 艺者的德性只是 智慧，专注，真诚，意志。 艺术之源，是在于内在的真。你的形、你的色，都要能传达情 感。 ……，这些东西或许是准确的，但决非真实的，因为它们并不激动心灵。 要彻底地桀 骜地真实。要毫不踌躇地表白你的感觉，哪怕你的感觉与固有思想是冲突的。 拙劣的艺者， 常戴着别人的眼镜。 最主要的是要感动、爱憎、希望、呻吟，生活。要做艺术家，先要做 起人来。 真的艺术一定痛恶技巧。 艺者醉心于他的事业，此便是艺者心魂。 真正的艺者 不惮干犯一切既成偏见，诚实地表现他的感觉。

情感 —— 它是能影响我的视觉的 —— 所 显于我的自然，我便照样再现出来。 艺人则‘视’而有所‘见’，他心底的慧眼能深深地洞烛到 自然的奥秘。 艺人只要相信他的眼镜就是。 在太严酷的真理面前，一般人是站不住的。 自 然中公认为丑的事物在艺术中可以成为至美。 在自然中被认为丑的事物，较之被认为美的 事物，呈露着更多的特性。一个病态的紧张的面容，一个罪人的局促的情态，或是破相，或 是？垢的脸上，比着正则而健全的形象更容易显露它内在的真。 艺术所认为丑的，只是绝 无品格的事物，就是既无外表真，更无内心真的东西。 还有于艺术认为丑的：是假的，造 作的，不求表情，只图悦目的，强作轻佻，充为贵侈，作欢容而无中心之喜悦，装腔作势、 故意眩人，或协肩谄笑，或高视阔步，却无真情，徒具外表。总之，一切欺诓，都是丑恶。 当他想把痛苦的情调消解，想把老年的哀颓隐藏，为取悦庸众计，想安排自然，使它柔和， 那么，他定创造出丑来，因为他惧怕真。 没有生命，即没有艺术，……可是艺术中生命的憶 憬是全靠模塑与动作两个条件的。 动作是这一个姿态到另一个姿态的过渡。 在他的作品中， 人们可以看出一部分已经过去的动作，同时又可认出一部分将要实现的动作。 真正的美的 素描与风格是令人为它所表现的内容所吸引，而无暇去称颂它们本身。 唯一的美，即蕴藏 的真。 当一件艺术品或一部文学作品映现出真，表达深刻的思想，激起强烈的情绪时，它 的风格或色彩与素描显然是美的了，但这“美”只在作品反映出来的“真”上。 无疑的，技巧 只是方法：但艺人如忽略了它，将永远达不到他的目的，永远传达不出情操的思想。 艺术 永不可不用技巧，正相反，必具有纯熟的手腕，才能表自其所知。。。然而艺术的顶点及其难 处，无论是作油画，绘素描，还是写作，都要力求自然、简洁。 你看一张画，读一篇文章， 你全没注意到它的素描、色彩或风格，但你是真被感动到心坎里，那时你可以确信，这素描、 色彩。风格，一切技巧都已到了完满的地步。 色彩与素描，不能单独着赏鉴，这是一而二， 二而一，原来是一件东西。 然而，艺术是如是复杂，或可说是以艺术为喉舌的人类心灵是 如是复杂，任何区别与分类都不免无聊虚妄。 希腊的女性固然是美的，但她的美尤其蕴藏 在表现她的雕塑像的思想里。 总之，美是到处有的，并非美在我们的眼目之前付之阙如， 而是我们的眼目看不见美。 人体尤其是心灵之镜，就是这一点造成了它的至美。 “假使艺 术家只图再现外表的形相，如照相师一般只把脸上的线条准确地临摹起来，而绝无性格之表 现，那么他绝对不配人家的赞赏。他应得探求的肖似是灵魂的肖似，只有这个是重要的，也 就是这个为艺术家所应参透外表的脸相而到内心寻找的。”

一切线条都要能表白，就是要能 起到内心的传达。 外表只能欺骗匆遽的观象。一个善观气色之人，能立辨这是假意逢迎或 是真诚的好意。这正是艺者的责任去揭发真理，就是当真理被外表所蒙蔽之时。 艺术的领 土中，更无比肖像或半身像更深入人之内心的了。 就在一个最无意义的头上，也藏着生命 与力量，为艺人产生杰作时所汲取不尽的材料。 你难道没有注意到当反省深思到极点，在矛盾中彷徨不决的时候，竟会有寂灭的想望吗？ 智慧之于艺术家是必不可少的条件。 无论 一个雕刻家塑什么像。第一要深切地蕴蓄着大体的动作；第二便须自始至终把中心思想在明 白觉醒的心地中维持着，这样才可使作品中最微细的地方，也永远与中心思想有密切的联络。

《罗丹艺术论》读后感9

《罗丹艺术论》是法国雕塑家罗丹的一本著作，该书涉及了罗丹对于艺术的理解和对 雕塑的思考。读完这本书，我对罗丹的艺术和他的思考有了更深入的认识，并从中受益匪 浅。

罗丹在书中谈到的一个重要思想是，雕塑不仅仅是由材料所组成的静态物体，而是融 合了时间和空间的艺术形式。他反对想象主义者的观点，认为他们糟蹋了艺术的本质，即 对于观察现实世界的真实感知。罗丹认为艺术是具有生命力的，而没有生命力的艺术作品 就像是死了的东西，只有能够表现生命的力量和动态的作品才是真正的艺术品。

另外，罗丹的雕塑作品中也反映了他对于人物性格的描绘。他认为一个作品要想表现 出一个人的内心世界和人物性格，就要深入了解他们的个性和情感，从而让作品真实地表 达出被雕塑的人物的特点和气质。这种深入了解的方法，罗丹称之为“视觉头脑”，是用 人的大脑去创造艺术的步骤。只有通过深入认识被雕塑的现实主体，并运用“视觉头脑” 的方法，才能创造出具有真正内涵和气息的作品。

此外，罗丹还谈到了对于空间的理解。他认为雕塑是三维的，并且需要在空间中创造 出一个可以活动的物体。因此，罗丹在雕塑中使用了空间和动态感，这种技法让观众可以 想象雕塑中的人物动起来，给人们的感官带来了冲击。

《罗丹艺术论》读后感10

《罗丹艺术论》成书于罗丹晚年，是保罗·葛赛尔所记罗丹赛 克关于雕塑艺术和历代大师的评点议论，集中反映罗丹艺术观和美学 思想，西欧既是对欧洲雕塑史的科学阐释，又是个人经验和教训的精 练概括，其中贯穿着罗丹对前人的崇敬、对名作的卓见和创作的喜悦、 深思的刻痕、点滴的自省。

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呀，终于上架了，去年读了一遍，对美学的认识很深，罗丹的某 些思想靠近东方，但总体还是西方思维。我个人一直把这本书与宗白 华先生的《美学散步》当成东西方美学的分叉点。美学属于气韵敏感 性的知识，形而上的，但没有基本的艺术功底，光看气韵还是不行的。 如同熟读唐诗宋词三百首再呢《人间词话》才会透彻。罗丹论美与丑 这篇，之前我比较认同，比如宋词，宋瓷，唐诗特别是经典的，都是 情与景与物刹那的火花子迸溅，这个时候用最浓烈，精准多维度的形 式表达感情不用咬文嚼字亦可震慑人心，这就是“真”的力量，真感 情，真快乐，真悲伤，真低谷，同样艺术里的“美”不仅仅包括造型 的优美，色彩的优美（如莫奈的色彩），构图的优美，同样感情也是 优美的，而真情犹如素地而后缋，犹如气韵所用仙气。

假的没有真感情的也可能美，但却是短暂的，如明清瓷器看多了 就腻歪了，不耐看，而唯有简练凝练了饱满感情的艺术才能历久弥新， 穿越时代让一代代人重新找回那震荡艺术创者的时刻，同样震荡我们。 所以，经典的作品需要欣赏者个人的心境恰巧在那个时刻，需抱著那 个安慰才能发生共鸣。比如，当一个人正处逆境的时候，零落成泥碾 作尘，只有香如故。这首词你能从骨子里得到来自梅花的力量，那么 这首诗歌，这个时刻，它独属于你，这就是戏剧共鸣吧，艺术共鸣是为了给找到一个强有力的寄托。这个时候无论你的苦海多深，这首词 于你是美的，是真的。我想大概罗丹论“美丑”是这个意思吧。大概 吧……

摄影艺术必须也是一定来自你对生活的感悟，今天往前走在华师 大的路上，刚巧赶上道路绿化施工，以前没仔细思考过景观方案怎么 样被施工人员工人施工，看着他们一层层的数层铺碎石子，浇灌水泥， 或许最开始你根本想不到施工前的景观的丑陋状态，与基层工人的辛 苦，而呈现在大众面前的永远是完美的园林，公园，道路。但都市计 划这些美是来自设计师的规划，工人的施工，很基层的东西才泡泡的 托起最后的美，多像莲花啊，我们只看到库塞县的美，而不见水底的 淤泥与养料。但偶尔知道创作的背景与产品设计理念，还有那些对没 贡献得到贡献的人与物，可以非常丰富对美的理解与认识，因为水底 的东西是纸袋，托起一颗美的明珠。

《罗丹艺术论》读后感11

　以前看罗丹的雕塑，除了《思想者》外，如《吻》一样优美的不多，当然这是一般人的审美。他的《巴尔扎克像》《老娼妇》等都丑得让人反胃。可是看久之后却有着相当的魅力，《巴尔扎克像》重新被树立就是如此。而《老娼妇》震动到了人的内心深处。也许这就是罗丹的那句“世上到处充满了美，只是缺少发现美的眼睛”的出现诠释。

　　本书以他人记述罗丹的艺术观点的作品，当然也可以当看罗丹的雕刻作品集来欣赏。毕竟以我的观点，除了米开朗基罗，罗丹是首屈一指的雕塑家。其杰作纷出可以算得上后无来者了。

　　而他的作品充满了灵魂和力量，如《浪子》就是比较典型之作。其作品的动感也是雕塑作品中罕见的。作品通过罗丹的口阐述了他的艺术观和审美观。颇有些意思，如果真能完全领会，那么对理解罗丹本身以及艺术都是有相当的益处的。

《罗丹艺术论》读后感12

1.一颗赤子之心，不是模仿“自然”，而是去呈现“自然”深邃的被忽视的美，刻苦的训练与勤奋，忘我的工作，热爱工作，工作成为了他人生的意义和目的，热爱工作就像每天吃三顿饭一样正常平凡。他通过苦心专研，去学习米开朗琪罗和希腊，灵感是靠不住的，除了刻苦，和兴趣以及爱。

 2.雕塑，有内在的肌理和生理解剖规律，有阴影和明暗，身体每个部位的姿势去调和整体，雕塑如果放在草地或者不同场景……，把巨大的激情和深刻的思考，用诗意的形式，去表现宇宙和内心的激情。

 3.《吻》《偶像》……表现肉体的美、情欲、纯粹的爱、热切的渴望，渴望二者合二为一，捕捉那一刹那——宇宙之初，从刹那火花诞生，并延续至永恒。

4.《青铜时代》，一个自信的青年在呼唤他的时代，他的宇宙，是无敌的青春，是洋溢的激情，是风流的俊朗，是温润如玉的自信，是刹那就要喷涌而出的火山般的生命力……

5.雕塑:形式，能让人有参与感、互动感、代入感，罗丹的雕塑有强大的感染力、美感、生命力，收千万年于一瞬，收千百种情绪中最动人的一缕，精准的捕捉，可以超越时空，于时间的蛮荒之中与你相见。

《罗丹艺术论》读后感13

艺术中美与丑的问题，是一个争议颇多的问题了。常常是公婆各执一词，各自呛得脸红脖子粗，也没有个是非结果。但这个问题又是讨论艺术时，绕不开的一个问题。艺术家们常常创作一些诸如：罗丹的欧米哀尔这样的年老色衰的老年妓女，那泰罗的老年莫大娜，弥勒的农夫，雨果的卡西莫多，博德莱尔的蛆虫，闻一多的死水。

美与丑的分辨并不困难，但丑的事物能够成为艺术作品的一部分，甚至是重要的主角，这就让人们的认知和感情，出现矛盾与撕裂的感觉。如果仅仅只有这些优秀的作品中有丑的存在也就算了，要命的是还有许多本来就不成熟甚至扭曲的作品，同样充满丑的存在，还说要“唱给骑士们听，”这就让问题的纠结程度以几何次方的速度增长起来。

当指南针像陀螺一样飞转不停的时候，与其争论是指针的问题还是手持的问题，不如把它收起来看看太阳的位置。美丑是单一事物的审美判断，但艺术并不是一个单一的事物。就如同好坏是对单一事物的价值判断，但人也不是一个单一的事物。用局部的标准审视整体，必然导致以偏概全各执一端的矛盾局面。

假如艺术作品中有丑的角色、形象，并不是因为艺术家运用了魔杖或者点金术、仙法什么的玩意，让丑化成了美。对于艺术家来说，根本没有注意到美与丑的问题，或者说他们根本不在乎什么美与丑的问题。这里说的艺术作品与艺术家，特指触及艺术根本的优秀作品与作者，请自动忽略学习中的未来艺术大师和他们的作品。

艺术是美的创造，但又绝不局限于美，特别是不局限于表面形式的美。在艺术创作过程中，不以表面形式的美感为目标和标准的艺术家们，只会自然而然地选择他们想要表达、表现的素材、形象、材料、手法，或许是表现如卡西莫多那样的心理的美，或者如闻一多根本就是要抨击一下丑陋的繁荣。这个时候，美与丑变得不那么重要，至少不会是艺术品和艺术创作的唯一的标准，丑的事物就顺理成章地进入艺术作品中来。

美与丑只是作品创作材料的局部审美属性，不代表作品艺术形象的审美属性和思想主题，欣赏艺术作品时，应当抛弃简单的美丑判断方式。欣赏者如果一定要戴着美丑两色的眼镜来观看，枉顾作品的情绪、主题、思想和艺术家表达的更多更重要的内容，因此陷入到盲人摸象的困境中去就不奇怪了。

所谓审丑与将丑点化为美的臆想，与给阿波罗和维纳斯的雕塑添加无花果树叶，一样的善良而又愚昧。丑的事物，就是丑的事物，不因为作者或者作品的名气、价值就会变得美起来。古往今来的圣贤也要放屁打嗝，而且绝对不会香气扑鼻。后来者，或许会担心佛像脸上落了灰尘，会影响了每天的香火钱，阿罗汉却就着脏手大嚼肥鸡。或许是认知不足，或许是关心的点根本就不同。

艺术中的美丑，就如汪洋中的明与暗，艺术家们有人喜欢光明表现光明，但也会有人喜欢大海的浩瀚、幽深、静谧、狂暴、甚至凶险。幽暗的色调、汹涌的怒涛、破碎的船板和鱼虾，可以表现大海的力量与激情。即便有不合乎漂亮美丽规则的色调、音符、韵脚，那又如何，只要它们表现出了艺术家想要表达的情感、胸怀、向往，都将被纳入艺术作品之中。

艺术家们会运用丑的元素、材料、方法，但是他们绝不是故意将作品做得丑陋，将丑作为艺术创作的标准和目的，他们只按照艺术的规律去创作，根本没有按照美丑的标准去创作，更没有什么越丑越高级的奇谈怪论。在优秀的作品中的丑的元素、形象、人物，也是生动、鲜活、感人的丑，绝不会是死水一潭是一味丑陋难闻。

《罗丹艺术论》读后感14

在大多数人的观念中，不仅是普通的群众，也包括很多学习艺术从事艺术的艺术家和学者，都认为齐白石的绘画或者印章作品是一挥而就的。这种误解形成的原因一方面来自白石作品的风格气象，大写意作品总是让人有信手挥洒的酣畅淋漓感觉，老人有时也会不无幽默和自谦地在落款中写上“乱涂几笔”、“杏子坞老民一挥”的字样；另一方面人们对事物的认知判断，往往是以自己的认知做出的，以己度人是常有的事情，不带研究调查就得出了先入为主的结论。

关于齐白石绘画创作的过程，熟悉他的人们早已回答过了，是从来没有什么一挥而就的事情，反而是很慢、很慎重的过程。抛开别人的言语不谈，认真观察齐白石的绘画或印章作品，在细节之处的控制与经营，绝不是什么潇洒随意的涂抹可以达到的精微程度。学艺、谈艺、欣赏艺术，都不要被一些流言妄语所蒙蔽误入了歧途，世界上从来没有简简单单便可以做出成就的事情。

罗丹在灯光下指出的维纳斯腹部轻微的肌肉起伏，便是优秀艺术作品展现功力与精神的细节所在，是艺术作品与艺术形象诉诸感知体验的微妙之处。艺术鉴赏时常常可以从一笔一墨看出整个作品的艺术水平，正源于这种窥一斑而知全豹的规律，一笔一墨尚未控制得当，何谈什么思想、境界、创新。

艺术作品与艺术形象首先诉诸的是人们的感官，感觉器官与思维神经所获得的丰富、生动的美感与体验，是艺术欣赏认知的基础与价值所在。这种直接的感知与体验过程，才是艺术作品诉诸于人的交流表达方式，对艺术创作和欣赏来说，这比任何理性与抽象的评判结论都更有价值和意义。

艺术作品所塑造的艺术形象，本身就是表达表现的方式和语言，优秀的作品不需要任何外加的解释和说明，更不用说任何外加的定义与判定了。脱离具体感知体验的美学分析、理论解说、故事描述、市场价格，将艺术作品化为抽象思维与名誉、金钱、作者资历、流量的排列比较，简直就是牛嚼牡丹暴殄天物。

作品就在那里，每个人感受到的却各不相同的，不同的人对艺术作品和艺术形象的认知感受各有差异。正如没有借助灯光从特定角度的照明，大部分人并不会注意到维纳斯腹部的细微之处，不会注意雕象的色彩变化与对比感受。敏锐的视觉、观察、理解能力和知识储备，都需要学习和培养，但迈入艺术表达和感知的第一步，开启艺术欣赏大门的钥匙，却是抛弃所有作品本身以外的成见、流言、评判，否则再优秀的认知欣赏能力，也将被一叶障目。

所谓单纯的抽象的纯粹美，完全是理论家们坐在书房里胡思乱想的空洞结果。理性思维、逻辑思维无疑是强大的认知和思考方式，但是正如我们不能将相对论绝对化运用一样，理性思维也不能绝对地将一切事物都理性化、抽象化。

机械文明发达的历史时期，人们曾经认为整个宇宙都是由机械结构的组成；神话巫术发达的历史时期，人们也曾认为整个宇宙是神仙创造或统治的世界；相对论泛滥的时期，人们又认为所有事物都是相对。历史最终将证明，人的认知经常过于自信，并不是他们自以为的那样正确、理性和客观。

美感之外无美。脱离感知过程的感官与精神沉浸体验实践，任何美与艺术表达、创作与欣赏，都将变成脱离美与艺术本身的隔岸观火、隔靴搔痒。从脱离美与艺术实践的抽象和理性思维结论出发，进行的所谓创作、创新自然也会变得格格不入，难以激发美感、吸引人、感动人，时刻需要理论、身价的拐杖来解释和证明。

《罗丹艺术论》读后感15

《罗丹艺术论》是法国雕塑家奥古斯特·罗丹的艺术理论著作，内容涉及艺术创作所需的精神、技巧和感性认知等方面。读完这本书，我深深地感受到了罗丹作为一位伟大艺术家所拥有的独特眼光和对艺术的热爱。

阅读《罗丹艺术论》给我带来了许多启示。首先，在罗丹看来，艺术是一种与人类内在情感密切相关的表达方式，它可以唤起我们内心最深处的感受。而这种情感，来源于艺术家对生命的热爱和对人性的探索。其次，在进行艺术创作之前，艺术家需要具备一定的基本功和技能，同时还要具备一颗执着的心和追求卓越的态度。最后，艺术虽然是个人的创造行为，但它的意义和价值却与社会、时代和文化紧密相联。

在我的理解中，《罗丹艺术论》所呈现的不仅是一位雕塑家的创作经验和思考，更是一种人类对美的探索和表达。读完这本书，我更加深刻地认识到，艺术并不是一种遥远而高傲的存在，它可以融入我们每个人的生活，发现我们身边存在的美，同时也可以反映出我们人性的弱点和偏执。在今天这个信息爆炸、审美多元的时代，艺术家们需要不断地去探索，创新和思考，才能让艺术创作更加富有生命力和活力。

在西欧历史的黎明时期，古希腊的雕刻竭力将神人化，这一现象反映出人的思维对深的怀疑、亲近和畏惧。菲狄阿斯在矛盾中寻求幸福、宁静、，形成在雕刻史上的一座高峰。

昏迷与觉醒，对立并存，失去一方，另一方也不存在，束缚与挣扎。罗丹的作品，代表着西方雕刻史上的另一座伟峰，在他之后的杰出的雕刻家丰富了人类的文化氛围，视觉享受。但是从总体来说，却不能在罗丹的基础上有所超越。罗丹通过他的作品透露出对他对人生的思考。他创作、思考、歌颂人类的创造力，人的尊严和为了维护尊严而付出的代价。不仅如此，在罗丹的作品中，我们还看到了惊心动魄的丑，如《丑之美》时，用美的手段表现出那般惊心的丑。

罗丹首先是雕刻家与创造家，其次才是理想家，没有一系列的雕刻，他谈不出《艺术论》，退一万步来讲，能谈出《艺术论》也足以不朽，一篇《艺术论》贯穿对前人的崇敬，对欧洲雕刻史的总结概括，引导后人走向正确的道路，前人的探索是的后人的学习经验与方法更能提升自己的创作思维与灵感。

当读完此书的时候，我深深着迷于罗丹的魅力之中。盖谈艺者不乏其人，能将自己所得聚腋成裘，有创见，有情感，有。渊博精纯的艺术家，百年有几。在他的身上，你可以看到，当艺术家成就愈高、享受的荣誉越多，就更是要善于淡泊名利，善于发现生活，心胸宽广，不怕留言，养成吃苦耐劳的精神。也只有这样才能练就出一个伟大的艺术。

以上就是《罗丹艺术论》阅读心得感悟汇总的全部范文模板了，这些模范可以帮助读者更好地理解和思考作品，还可以促进读者之间的交流和分享，培养读者的审美情趣和文学素养，希望对大家有所帮助。